CALLES SURREALISTAS

L´ equilibrio

Dos maderos naufragan inmersos en el mar de la sociedad tecnológica donde los individuos se mueven, flotan y se expanden impulsados buscando el nuevo, frío y reticulado pensamiento ignorado que todavía hoy se gesta y delibera entre envolventes y abatimientos (malla metálica), ante un alma viva (madera) que aflora sentimientos y acciones al exterior para ubicarse de manera equiparable entre los ámbitos que abarcan la igualdad tales como la familia, la educación, el empleo, la salud, el delito y la violencia y por último el poder y la toma de decisiones.

Hombres y mujeres se despliegan sin fronteras buscando su nexo opuesto no para que los enfrente, sino para conectar y generar el equilibrio entre ambos, ya que sin la existencia del uno no cabría la de otro.

Cuando se establezca la unión absoluta de hombres (base de enchufe) y mujeres (clavija de enchufe) será cuando conectemos la radio, la tv o el ordenador y no se escuchen más casos de discriminación.

Técnica: Assemblage

NUDOS

FILOS AL FILO

YO, MI, ME, CONMIGO (2)

QUERUBÍN

Escuchar el silencio,

Acariciar el frescor del suelo,

Frenar los pasos.

Sólo él sabe porqué lo hace..

Stretto

ARDENTE

“El destino humano es un solo ritmo celeste”

MORTÍ

EM-PAPEL

Hace días que ni subo...

EL SUEÑO QUE QUIERE DORMIR

Su materialización de los sueños y las características de su obra testimonian la aspiración surrealista de mostrar universos desconocidos pero verosímiles, gracias al arte ilusionista de la pintura.

Su vocación se manifestó cuando casualmente vio un cuadro de Giorgio Chirico, se lanzo entonces a una intensa exploración interior que le permitió enlazar con el surrealismo y estimulando así su estilo personal lleno de sentimientos.

El tiempo amueblado/ Yves Tanguy

Al mirar sus pinturas no sabemos dónde nos encontramos ya que las figuras se definen como extraños signos filiformes a modo de algas o meteoritos que flotan en un espacio subacuático o a algún universo sideral. Tanguy mantuvo siempre este carácter onírico.

Escultores posteriores como Isamu Noguchi hicieron en mármol formas tridimensionales inspiradas en Yves Tanguy, mostrando el trascurso desde el

LOS DOMINGUEROS

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte es un cuadro del pintor neoimpresionista francés Georges Seurat, ejemplo puntillista considerado por muchos una de las pinturas más relevantes del Siglo XIX.

La isla de la Grande Jatte se encuentra en el río Sena, en París, que por muchos años fue un sitio industrial y en los últimos años pasó a albergar jardines públicos y un conjunto residencial. En 1884 era un paisaje bucólico alejado del centro de la ciudad.

Seurat pasó dos años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente en el paisaje del parque. Rehizo varias veces el original y completó numerosos bocetos y esquemas preliminares. Se sentaba a menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin de perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y formas.

Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Creía que esta forma de pintura, conocida luego como puntillismo, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas. Para hacer la experiencia aún más realista, rodeó el cuadro con una trama de puntos que a su vez limitó con un marco simple de madera clara. de esta forma se lo exhibe aún en el Instituto de Arte de Chicago.

Para este cuadro Seurat empleó el nuevo pigmento "Amarillo de zinc", más visible en las zonas amarillas iluminadas, pero también en combinación con naranjas y azules. Luego de completada la pintura, el amarillo de zinc se oscureció paulatinamente hasta tonos de marrón, defecto que se apreció ya en vida de Seurat.

this is what she does to me

¨Esto es lo que ella me hace¨

La obra se Sean Mackaoui se articula en torno a dos ejes fundamentales: el collage y el ensamblaje.

Mackaoui crea collages pegando recortes de revistas, periódicos y palabras encontradas, con los que revela nuevos significados, gracias al montaje, a su habilidad para titular, y a la combinación inaudita de elementos incongruentes. En la muestra que tiene lugar en el Círculo de Bellas Artes, se presentan más de cien collages y fotomontajes realizados por el artista para esta ocasión, que dotan a la Sala Goya de una apariencia de Zoco. Además, podemos ver 103 imágenes que riman, que el artista publicó en un libro de idéntico título pero que hasta ahora nunca se habían expuesto, y donde se inclina por una composición extremadamente simple: dos o tres elementos y un título.

RECORRIDOS

AMOR, HUMOR Y DESAMOR

 

 

 

 

Collages sobre el libro Amor, humor y desamor

 de Gloria Fuertes

CARICIAS Y OTROS ROCES

ISIDRO FERRER

ISIDRO FERRER (Madrid, 1963) se forma como diseñador en Barcelona en el estudio de Peret(1989). Es miembro fundador del grupo Camaleón (1990). En 1996 establece su propio estudio en Huesca desde donde desarrolla su trabajo en el entorno de la gráfica: cartelismo, ilustración, diseño editorial, animaciones para TV y edición. Entre sus clientes se encuentran: Diario El País, Editorial Santillana, Alfaguara, Hiperión, Canal+, Volkswagen, B.D. Ediciones de diseño, Torras Papel, Festival de Cine de Huesca, Ibermedia, Conferencia de autoridades Cinematográficas de Iberoamérica, Gobierno de Aragón, Diputación Provincial de Huesca y Ayuntamiento de Huesca. Ha impartido talleres de diseño e ilustración en el "Instituto Europeo del Diseño" en Madrid, En la escuela "Eina" de Barcelona, en la facultad de Bellas Artes de Cuenca y Pontevedra. Cuenta con 14 libros publicados entre Francia, Portugal y España y su obra a sido objeto de exposiciones en Zaragoza, Madrid, Barcelona, Huesca, Gijón, Lisboa, París ,Bruselas, Rouen, Rijeka, Tokio, México...

Ha sido merecedor de varios premios: Laus plata (1995), Premio Lazarillo de ilustración, OEPLI-Ministerio de Cultura (1996), Premio Libro mejor editado, Ministerio de Cultura (1992), Premio AEPD (1999), Promax oro de animación -EEUU- (2000), Premio Festival Internacional d´affiches de Chaumont -Francia- (2001) Desde el año 2000 es miembro de AGI (Alliance Graphique International.

COLLAGE

ASSEMBLAGE

El ser humano desenvuelve su vida cotidiana en la urbe masificado por vidrio ahumado y residuos urbanos  representados por medio de un bote de cristal ahumado, con residuos en su base (colillas, papeles, cenizas,..) el entorno al que está expuesto el individuo.

Es precisamente el cristal ahumado quién trasmite ese despego hacia la naturaleza, apartándose de los beneficios que le aporta y tomando actualmente un modo de vida estresado, enfrascado y sumergido en sí mismo, incapaz de ver muchas veces más allá de su laboratorio mágico en el cual a veces resulta imposible relajarse.

La naturaleza permanece quieta y sabia para obtener su propósito, que el ser humano vuelva a ella. Es como una ley de atracción en la que el ojo interactúa interior-exterior, tanto desde el perímetro del bote como en picado.

Pendiendo del centro a modo de móvil se han colocado elementos que nos trae la naturaleza, y que son característicos de África, tales cómo una bolsita de té con los aromas que permiten serenarse, un sol radiante en su máximo esplendor, con los tonos cálidos y tierras que confunden el cielo con las dunas y una rama de canela que representa la espesura de los exiguos troncos que allí yacen, pero que embriagan y regeneran el entorno y que hacen ver tanto este pequeño frasco como la vida desde otro ángulo incitando a la relajación, la quietud de las ideas que nos colapsan, a la nada, a la abstracción.

 

SINAPSIS. La idea es representar por medio de un frasco ahumado la sociedad en la que vive atrapado el ser humano por el estrés y la contaminación que muchas veces colapsan su vida por el despego de la naturaleza que él mismo ha ido generando con el paso del tiempo.

Es por esto por lo que se sugiere buscar en el centro de las cosas una especie de habitáculo que nos evoque esa calma y esa atmósfera que África nos puede proporcionar.

CHEMA MADOZ

No todo es lo que parece, y Chema Madoz (Madrid,1958) se encarga de ponerlo en evidencia; es un especialista del engaño.
De él surgen nuevos universos recónditos, nuevas dimensiones que de la mano de la metáfora conmueven la percepción de la realidad más inmediata. El absurdo, la paradoja y el humor se dan cita en el estudio del fotógrafo. La idea inicia su proceso de superación del objeto y establece una descontextualización Dadá. La ironía con la que Madoz asalta modelos reconocibles establece una relación con el espectador que le conduce por los caminos de un universo paralelo y así hasta los límites de la imaginación.

Buscó siempre un tipo de imagen con el que se identificase y desde entonces siempre ha creado un hilo conductor. Sus fotografías son en blanco y negro primero por motivos por el hecho de que era más fácil trabajar en el laboratorio que el color. Transitó entre los grises porque con el color siempre puedes datar una imagen, pero el blanco y negro es más intemporal. Además, es una reelaboración de la realidad. Al carecer de color, las imágenes pertenecen a un territorio distinto que tiene que ver más con lo imaginario. El resultado es esa clase de fotografía sorprendente al ojo sobresaltado, los segundos de alucinada observación y, por fin, la conclusión de que nada es lo que parece y nada parece lo que es.

Su obra es tremendamente fiel a sí misma, pero Madoz considera que ha evolucionado con los años. Al principio el objeto estaba ahí y el trabajo era puramente fotográfico. Pero con el paso del tiempo empezó a fabricar objetos y las imágenes adoptan un carácter más escultórico, la instalación empieza a formar parte de la obra. El registro es siempre fotográfico, pero me parece que se va complicando.

La revolución digital no le preocupa. Ha utilizado la nueva tecnología en contadas ocasiones porque siempre le ha resultado suficiente interesante manipular los objetos digitalmente. Aunque le interesan las posibilidades que ofrece para seguir experimentando y no la rechaza porque permite un tipo de manipulación que no se puede hacer de otro modo. Él sigue utilizando la película porque ofrece una calidad muy particularpara que los matices y atmósferas no se pierdan por el camino.

En sus primeras obras aparecían seres humanos, pero desde los noventa ha centrado su trabajo en la fotografía de objetos a los que modifica o acentúa alguna cualidad convirtiendo las obras en auténticos poemas visuales. Madoz se considera un escultor de objetos que trabaja desde el punto de vista de un fotógrafo y utiliza la fotografía como registro de la memoria.

Quizá el atractivo de la obra de Madoz sea a la vez su mayor dificultad: conseguir imágenes tan poderosas a partir de objetos cotidianos que, sometidos a diversas transformaciones, producen un efecto sorprendente.